Arduinos a la vista

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Cyberculturas, 98,5 %

Ayer, en el blog de Pablo Mancini.

Cocinando

Reportaje en Tejiedo redes.

Dipi

La primera vez que escuché el nombre de Dipi fue por mi amigo Pablo Dreizik, en el verano de 1985; yo tenía 17 años y recién terminaba la secundaria.
Estábamos hablando con Dreizik de Stanislav Lem y me dijo que Di Paola Levín era un perito meritosísimo en la materia y que además “había conocido íntimamente a Gombrowicz”. Me dio mucha curiosidad este señor y conseguí La virginidad es un tigre de papel (o sea lo leí antes que a Gombrowicz). Es más: me había encontrado algunas veces con el nombre de Gombrowicz y la lectura del libro de cuentos de Dipi me llevó a buscar libros del polaco y así llegué a Cosmos, que me fascinó.
La primera vez que lo vi fue o ese mismo año o el siguiente; creo que estaba con Bode Lescano y pasamos o bien por La Ópera o por La Academia y ahí estaba Dipi, en una mesa con otras dos personas, mesa en que Bode y yo nos sentamos. Dipi aconsejaba a una de ellas sobre temas sentimentales, no sólo de seducción; era una especie de Ovidio mezclado con James Purdy. Le aconsejaba tácticas de seducción y de economía práctica (“gastate unos mangos y llevalo –aconsejaba a una chica- a tal lado”). Y también de gastronomía, porque le recomendaba platos.
Por supuesto, le pregunté por Lem y me dijo, “estuve en su casa y me hizo conocer Varsovia desde su Mercedes”: Así fue mi primer encuentro.

La foto, en la que estamos junto a Bizzio y Guebel, es en su casa de Tandil, en el 2005. Su autor es Eduardo Montes Bradley.

Las formas curatoriales no tienen recursos de escape

Para el último número de la revista G7, en el marco de un dossier de arte contemporáneo argentino, Flor Codagnone me realizó una entrevista. Lo que les ofrezco ahora es una parte del reportaje que no salió editada.

¿Cómo ha modificado la tecnología internet la forma de curar y de exponer arte?

Nuestras formas de pensar hace rato que imitan a la web, incluso en nuestro estado unplugged. Aunque desaparecieran las máquinas seguiríamos afectados. Las formas curatoriales no tienen recursos de escape.

Vas a curar una muestra de arte en second life, ¿qué te ofrece ese espacio?

Ese fue precisamente el desafío inicial: investigar qué ofrecía de nuevo esa plataforma software a mí tarea como curador. Pero mi búsqueda derivó de una pesquisa formal a una exploración antropológica. Hay mas arte en los estilos de interacción informática de los usuarios avanzados de este programa que en todo aquello que se ofrece como oferta cultural en Second Life.

¿Cómo se construye o cómo varía el concepto de identidad con la tecnología?

En este aspecto la tecnología es una bendición porque nos obliga a estar alerta sobre la forma en que nos pensamos. Un programa como Second Life nos permite avanzar en identidades múltiples que ya no se entienden como ficticias, sino como una arqueología plural de nuestras zonas más oscuras.

¿Y el de identidad? ¿Eso se ve también en el arte?

El concepto de identidad es una trampa. Tiende a volver más espesa la búsqueda. Todo el tiempo estamos aprendiendo quienes somos. El arte que me interesa no afirma ninguna identidad, sino que por el contrario la señala como un espejismo.

¿Qué posibilidades te brinda el blog que no te brinda el papel?

Una disponibilidad pública y global inmediata sin intermediarios, además del multimedia. Utilizo el linkeado como una invitación (en el blog no sólo leemos, sino que escuchamos y vemos imágenes en movimiento). El blog, como el libro, es el comienzo de un diálogo.

¿Cómo ves hoy el espacio museo?

La etimología de la palabra museo nos señala el sitio de las musas. Ojalá ellas sigan habitándolos. Adoro algunos museos y otros me dejan absolutamente indiferente.

¿Hay fronteras entre el espacio público y el protegido (museos, galerías, centros culturales)?

Tanto el espacio público como el privado están cargados de demasiados sentidos previos, por arquitectura, historia, modas y políticas. No me interesan gran cosa las obras que avanzan hacia estos sentidos previos, ya para subrayarlos o cuestionarlos. Prefiero aquellas que sobreimprimen un sentido distinto al que ya estaba.

Fuera del espacio museo, ¿qué es lo que hace que un gesto se vuelva artístico?

Demos vuelta la cuestión: digamos –más no sea provisoriamente- que arte es aquello que resulta de determinadas conductas de un artista. El espacio es un elemento más a utilizar, entre otros, lo mismo que un color, un sonido, una textura. El artista no es un combustible para el museo o la galería, sino exactamente al revés.

¿Cómo se establece una alianza fructífera entre los medios y el arte (y el artista)?

No tengo ni idea. Los medios son el océano donde flotamos. Simplemente tratamos de no hundirnos. Me imagino que la alianza tiene que ver con la náutica y la flotación. Las mareas y los vientos no hacen más que arrojarnos a sitios rarísimos.

¿Cuál es el mayor desafío del curador?

Cada curador tendrá el suyo. El mío es no aburrirme haciendo curadurías. Soy un manipulador nato: para mí una obra de arte es como un Rasti. Una obra es sólo un estímulo y tus sentidos hacen el resto. Mi desvelo es como disparar ese estímulo. Adoraría llegar a provocar lo que Phil Spector hizo con tantas canciones.

¿Qué tipo de investigaciones hacés para tus proyectos?

Jamás trabajo para un proyecto en particular. Todo el tiempo estoy escribiendo, tomando notas, probando formas de acción. Sin descanso. Investigar para mí no está demasiado lejos de componer o dibujar. Es una ejercitación ininterrumpida.

Avatares-heterónimos

Es un fenómeno curioso. Mientras que aún siguen las repercusiones por la renuncia de Philip Rosedale como director de Linden Lab (“ante el evidente estancamiento que está sufriendo Second Life”) no dejan de multiplicarse la blogósfera avatar. Cada vez son más los testimonios y análisis de las experiencias en este mundo virtual que funcionan en red, constituyendo esta doble forma de interacción, en la cual la sociabilidad no se reduce a los encuentros en el Metaverso, sino que se continúan (y en muchos casos se producen previamente) en los blogs de los habitantes.
Sin dudas, estamos viviendo uno de los momentos mas interesantes de la existencia de Second Life: se esfuma de a poco el intenso discurso inicial sobre el negocio virtual y siguen tomando fuerza las investigaciones-juego individuales, los múltiples modos de sociabilidad digital.


Como venimos charlando con Napoleón Baroque, existen dos tipos de avatares: los avatares-seudónimo (aquellos que son una sucursal del usuario en un mundo virtual) y los avatares-heterónimos, o sea aquellos que ensayan un guión diferente. Es saludable que éstos últimos no dejen de avanzar.

Aquí el Chorinauta

El Chorinauta, de Jorge Fantoni, es, sin dudas, una de las ofertas de comic más atractivas de la web. No se la pierdan.

IMaDuBA Return

El Centro de documentación, Investigación y Publicaciones –CeDIP- del Centro Cultural Recoleta lo invita a la charla del profesor e investigador Gonzalo Aguilar y del curador y ensayista Rafael Cippolini, ambos miembros del Instituto Marcel Duchamp en Buenos Aires (IMaDuBA) a realizarse en próximo jueves 10 de abril a las 18:30 hs. en el marco del ciclo Presencia de Duchamp.

Gonzalo Aguilar
Profesor de la Universidad de Buenos Aires e investigador del Conicet.
En la charla se centrará en tres obras realizadas por Duchamp en Buenos Aires: Stereoscope à la main, Readymade malhereux y A regarder (l'autre cotê du verre) d'un œil, de près, pendant presque une heure. A partir de un análisis de estas obras, planteará algunos de las cuestiones básicas de su arte: la relación entre mirada y deseo, entre obra de arte y pintura, entre forma y energía.

Rafael Cippolini. Tête de Gomme. La cabeza borradora de Duchamp.
Ensayista y curador autónomo.
La charla abarcará dos ejes: (1) un breve recorrido por uno de los modus operandi más reconocibles en el accionar del Marchand du Sel, esto es, su capacidad para generar signos subyacentes e infraleves y (2) una serie de tentativas sobre su obra más misteriosa en Argentina: Cubify BA.

Para más información comunicarse al CeDIP: 4803-1040 interno 267/8 ó a
cedip_comunicaciones@centroculturalrecoleta.org

Centro Cultural Recoleta. Junín 1930. 1er piso

La Bienal de San Pablo ¿es o se hace?

Publicado en la edición de hoy de ADN de La Nación.

por Rafael Cippolini

¿Dónde producir una reflexión profunda sobre la economía y el sistema de las bienales de arte sino en el seno mismo de una bienal? ¿Qué mejor lugar que una de las bienales más antiguas y prestigiosas del mundo? ¿Y quién mejor para articular una conferencia donde se analicen todos los aspectos de la "crisis vocacional" de la Bienal de San Pablo -que va mucho más allá de sus vicisitudes económicas y administrativas- que el más reconocido de los históricos responsables del archivo documental de la Bienal?

Nadie duda de la importancia de las bienales en el desarrollo del arte desde el fin de la Segunda Guerra Mundial: el concepto de contemporaneidad en estética no hubiera sido igual sin ellas. Pero la propuesta de establecer como gesto curatorial una pausa, una cuarentena que corte con la voracidad de representación e información y establezca los elementos para un diagnóstico como principal programa del encuentro, provocó vértigo y malestar. De una vez por todas se pone en crisis una situación que ameritaba un buen ensayo de respuestas.

Un revuelo considerable se desató en noviembre, a tres meses de haber sido convocado para presentar un proyecto para la edición de la Bienal que se inaugurará el 25 de octubre, cuando el reconocido curador y artista Ivo Mesquita dio a conocer su plan como director artístico del evento. No tardaron en tildar de "suicidio artístico" su idea curatorial.

A pesar de que hace casi treinta años el teórico italiano Gillo Dorfles denunció la progresiva desaparición de los elementos de separación, interrupción y pausa en el desarrollo de las artes en su imprescindible libro El intervalo perdido , la "infoxicación" -la intoxicación provocada por el exceso de información- se ha convertido en hábito, por lo cual la intención de Mesquita no resulta sencilla de asimilar.

¿Cómo instrumentar la reflexión? ¿De qué forma darle cuerpo? Ya constituye un acto de valentía intelectual realizar la pregunta antes de aventurar cualquier respuesta. ¿Realmente sabemos por qué seguimos haciendo lo que hace tanto venimos haciendo? No es un gesto débil. Todo lo contrario. No se trata de vacilar, sino de darle un curso positivo a la vacilación. Jamás ha sido más indispensable autoauscultarse. Es encomiable que una curaduría de tales características tenga su origen en Sudamérica, donde estamos tan entrenados en la currícula crisis.

El actual curador jefe de la Pinacoteca del Estado de San Pablo se presentó hace tres semanas en el ciclo organizado por el Centro Cultural de España, en colaboración con Fundación Proa, titulado "9 curadores discuten su obra", coordinado por Gerardo Mosquera. El ciclo consiste en recibir la visita de prestigiosos profesionales iberoamericanos para que analicen su tarea en público. Tal fue la ansiedad por escuchar su proposición de Bienal que, junto a la historiadora y curadora Andrea Giunta, decidieron inaugurar el ciclo con la revisión del tema candente y postergar para la segunda jornada el repaso de su trayectoria.

A sala repleta, Mesquita explicó los ejes fundamentales con los que se plantea enfrentar la condena tan dictada por el horror vacui de tener que "llenar de obra" los 36.000 m² del edificio proyectado por Oscar Niemeyer donde tradicionalmente se desarrolla la Bienal. Para esto se propone distintos dispositivos y estrategias, además de la citada conferencia y de la creación de una zona de silencio, como un espacio abierto de reintegración del edificio al Parque Ibirapoera, la puesta en marcha de un archivo documental y una red que conecte las casi 300 bienales de arte existentes. De ese modo, se generará una nueva taxonomía para los modelos de este tipo de exhibiciones internacionales y su economía. Además, se proyecta la transmisión del evento en la Web y la revisión crítica de la historia de la Bienal junto a la circulación de un periódico que notifique en tiempo real los acontecimientos, entre otras actividades.

A contrapelo de la "Bienal del Vacío" que construyeron los medios, esta edición de la Bienal (que tendrá una duración menor que las anteriores) promete mucho arte para ver pero en una escala más amable y menos maratónica. Sobre todo, intentará intervenir en el imaginario de las bienales a partir de un giro fundamental: señalando la importancia de transformar estas sobreextendidas plataformas internacionales en prestadoras de servicios, no solo con la exposición de obras sino mediante el auspicio de proyectos, publicaciones e intercambio de artistas. El desafío está en marcha.

Nota bene (1): El título de la nota es una variación sobre un comentario de Uzumaki en este posteo del Cippodromo.

Nota bene (2): En los próximos posteos del Cippodromon continuaré sobre el tema.

Lux Lindner fauvista

Es recontrasabido que el afamado Vauxcelles exclamó “Donatello au milieu des fauves” y que a partir de esa exclamación un estilo pictórico tuvo por fin nombre.
Pues ahora proferimos “Lindner au milieu des fauves” y compartimos este video.
No es lo mismo, pero vale la pena verlo.